Правила жизни Виталия Смагина
Вчера в Иркутском доме художника открылась выставка памяти Виталия Смагина. Готовясь к написанию заметки об этом, я стал искать свои старые тексты о нем. Выяснилось, что впервые я написал о его выставке почти 10 лет назад. Среди прочего нашел интервью трехлетней уже давности, где каждый его ответ звучит как творческое кредо. И сейчас после его смерти это стало еще более очевидным. Мне хочется привести из него цитаты в формате "Правила жизни"
http://baikal-info.ru/sites/default/files/12301690_10208005979327248_7036382797852240673_n.jpg
Каждое место в мире имеет свое выражение и колористический аккорд. Но я не хотел создавать типичный городской пейзаж, старался уйти от повествовательной живописи, описательных работ. Мне ближе принцип обобщения — о мире в целом и месте, в котором мы живем. Вот, например, работа «Голубое утро» — она переходит от прямого повествования к иному представлению. Здесь каждое дерево — это как бы и не дерево вовсе, а образ утра, природы, ее звучание. Мне хотелось, чтобы эта работа ассоциативно вызывала у зрителя ощущение какого-то освежающего роста. Но, чтобы писать такие работы, необходимо работать на пленэре, видеть это и чувствовать.
Я всегда выступал за постоянный творческий поиск, и своих студентов стараюсь учить тому же. Меня интересует тот процесс, который меня зовет, и подсознательно я пытаюсь слиться со всем космосом, быть звучащим тростником, который это отражает, никак не влияя на это рассудком, только на подсознании.
Для меня каждое произведение искусства должно содержать тайну, и только тайна дает возможность подействовать на зрителя, разбудить его и заставить сопереживать, думать, чувствовать. Самое прекрасное, что может быть и в поэзии, и в литературе, и в музыке, и в живописи, — это недосказанность, суггестивность, намек, направляющий ход восприятия. Зрителю предоставляется возможность самому искать смысл, находить его и получать от этого эстетическое наслаждение, потому что он становится соучастником создания произведения.
Есть несколько способов построения выставки. По одному из них выставку выстраивают в хронологическом порядке, но я считаю это неверным. На мой взгляд, экспозиция должна быть выстроена, как и картина — по цвету. Не по содержанию, а по восприятию, чтобы она целиком воспринималась как живописный холст. Именно поэтому у меня могут рядом находиться на одной стене работы, написанные с разницей в 20 лет.
Как монументалист, я, конечно, привык к большим форматам. Самая большая моя работа — это где-то 2,3 на 4,3 метра. Но такие большие работы сейчас мало кто пишет, потому что их невозможно ни выставлять, ни просто перевозить. Я долгое время не переходил к малым работам, но на самом-то деле размер неважен — важна прежде всего сама живопись. Просто некоторые художники, в том числе большие мастера, не могут совладать с большим размером. Если они обращаются к большой форме, картина получается пустой.
Я в принципе не делаю заказных работ. Думаю, что художник должен быть абсолютно свободным и счастливым от того, что он ни от кого не зависит. Как только начинается влияние извне, художник перестает быть той уникальной ценностью, от которой можно ждать каких-то открытий. С другой стороны, если у меня хотят купить работу в мастерской, я продаю, но сам никогда не выставляю свои картины на продажу, например, в частных галереях.
Каждая работа должна быть выбросом: энергии, чувств, сомнений, рассуждений. Однако все это требует последующей корректировки.
Многие считают, что написать формальную работу ничего не стоит. Но на самом деле выстроить беспредметное произведение так же сложно, как и любое другое. И так же специалисту видно, где оно получилось, а где нет.
http://mkrf.ru/upload/iblock/bigs/434ae29be35add4ee565643f7246af04.jpg
http://static.ngs.ru/cache/relax_files/events/9d69f2944791c113b30443ba987bb212_900_0.jpg
Вчера в Иркутском доме художника открылась выставка памяти Виталия Смагина. Готовясь к написанию заметки об этом, я стал искать свои старые тексты о нем. Выяснилось, что впервые я написал о его выставке почти 10 лет назад. Среди прочего нашел интервью трехлетней уже давности, где каждый его ответ звучит как творческое кредо. И сейчас после его смерти это стало еще более очевидным. Мне хочется привести из него цитаты в формате "Правила жизни"
http://baikal-info.ru/sites/default/files/12301690_10208005979327248_7036382797852240673_n.jpg
Каждое место в мире имеет свое выражение и колористический аккорд. Но я не хотел создавать типичный городской пейзаж, старался уйти от повествовательной живописи, описательных работ. Мне ближе принцип обобщения — о мире в целом и месте, в котором мы живем. Вот, например, работа «Голубое утро» — она переходит от прямого повествования к иному представлению. Здесь каждое дерево — это как бы и не дерево вовсе, а образ утра, природы, ее звучание. Мне хотелось, чтобы эта работа ассоциативно вызывала у зрителя ощущение какого-то освежающего роста. Но, чтобы писать такие работы, необходимо работать на пленэре, видеть это и чувствовать.
Я всегда выступал за постоянный творческий поиск, и своих студентов стараюсь учить тому же. Меня интересует тот процесс, который меня зовет, и подсознательно я пытаюсь слиться со всем космосом, быть звучащим тростником, который это отражает, никак не влияя на это рассудком, только на подсознании.
Для меня каждое произведение искусства должно содержать тайну, и только тайна дает возможность подействовать на зрителя, разбудить его и заставить сопереживать, думать, чувствовать. Самое прекрасное, что может быть и в поэзии, и в литературе, и в музыке, и в живописи, — это недосказанность, суггестивность, намек, направляющий ход восприятия. Зрителю предоставляется возможность самому искать смысл, находить его и получать от этого эстетическое наслаждение, потому что он становится соучастником создания произведения.
Есть несколько способов построения выставки. По одному из них выставку выстраивают в хронологическом порядке, но я считаю это неверным. На мой взгляд, экспозиция должна быть выстроена, как и картина — по цвету. Не по содержанию, а по восприятию, чтобы она целиком воспринималась как живописный холст. Именно поэтому у меня могут рядом находиться на одной стене работы, написанные с разницей в 20 лет.
Как монументалист, я, конечно, привык к большим форматам. Самая большая моя работа — это где-то 2,3 на 4,3 метра. Но такие большие работы сейчас мало кто пишет, потому что их невозможно ни выставлять, ни просто перевозить. Я долгое время не переходил к малым работам, но на самом-то деле размер неважен — важна прежде всего сама живопись. Просто некоторые художники, в том числе большие мастера, не могут совладать с большим размером. Если они обращаются к большой форме, картина получается пустой.
Я в принципе не делаю заказных работ. Думаю, что художник должен быть абсолютно свободным и счастливым от того, что он ни от кого не зависит. Как только начинается влияние извне, художник перестает быть той уникальной ценностью, от которой можно ждать каких-то открытий. С другой стороны, если у меня хотят купить работу в мастерской, я продаю, но сам никогда не выставляю свои картины на продажу, например, в частных галереях.
Каждая работа должна быть выбросом: энергии, чувств, сомнений, рассуждений. Однако все это требует последующей корректировки.
Многие считают, что написать формальную работу ничего не стоит. Но на самом деле выстроить беспредметное произведение так же сложно, как и любое другое. И так же специалисту видно, где оно получилось, а где нет.
http://mkrf.ru/upload/iblock/bigs/434ae29be35add4ee565643f7246af04.jpg
http://static.ngs.ru/cache/relax_files/events/9d69f2944791c113b30443ba987bb212_900_0.jpg
Vitaly Smagin's rules of life
An exhibition in memory of Vitaly Smagin opened yesterday in the Irkutsk House of Artists. In preparation for writing a note about this, I began to search for my old texts about him. It turned out that I first wrote about his exhibition almost 10 years ago. Among other things, I found an interview three years ago, where each of his answers sounds like a creative credo. And now, after his death, it became even more obvious. I would like to quote from it in the format "Rules of Life"
http://baikal-info.ru/sites/default/files/12301690_10208005979327248_7036382797852240673_n.jpg
Every place in the world has its own expression and color chord. But I didn't want to create a typical urban landscape, I tried to get away from narrative painting, descriptive works. The principle of generalization is closer to me - about the world in general and the place in which we live. For example, the work "Blue Morning" - it moves from direct narration to another representation. Here, each tree is, as it were, not a tree at all, but an image of the morning, nature, its sound. I wanted this work to associatively evoke in the viewer a feeling of some kind of refreshing growth. But to write such works, you need to work in the open air, see it and feel it.
I have always advocated constant creative research, and I try to teach my students the same. I am interested in the process that calls me, and subconsciously I try to merge with the whole cosmos, to be a sounding reed that reflects this, without influencing it by reason, only on the subconscious.
For me, every work of art should contain a secret, and only the secret makes it possible to affect the viewer, wake him up and make him empathize, think, feel. The most beautiful thing that can be in poetry, and in literature, and in music, and in painting is innuendo, suggestiveness, a hint that guides the course of perception. The viewer is given the opportunity to seek meaning himself, find it and receive aesthetic pleasure from it, because he becomes an accomplice in the creation of the work.
There are several ways to build an exhibition. According to one of them, the exhibition is arranged in chronological order, but I think this is incorrect. In my opinion, the exposition should be built, like the painting, in color. Not in terms of content, but in perception, so that it is perceived entirely as a painting canvas. That is why I can have works written with a difference of 20 years on the same wall next to me.
As a muralist, I am, of course, used to large formats. My biggest work is somewhere 2.3 by 4.3 meters. But nowadays very few people write such large works, because they cannot be displayed or simply transported. For a long time I did not move on to small works, but in fact, the size is not important - the painting itself is important first of all. It's just that some artists, including great masters, cannot cope with the large size. If they refer to a large form, the picture is empty.
In principle, I do not do custom work. I think that an artist should be absolutely free and happy from the fact that he does not depend on anyone. As soon as outside influence begins, the artist ceases to be that unique value from which one can expect some kind of discovery. On the other hand, if they want to buy a work from me in a workshop, I sell, but I myself never exhibit my paintings for sale, for example, in private galleries.
Each work should be an emission: energy, feelings, doubts, reasoning. However, all this requires subsequent adjustment.
Many people think that it costs nothing to write a formal work. But in fact, building a non-objective work is as difficult as any other. And the specialist can also see where it worked and where it didn't.
http://mkrf.ru/upload/iblock/bigs/434ae29be35add4ee565643f7246af04.jpg
http://static.ngs.ru/cache/relax_files/events/9d69f2944791c113b30443ba987bb212_900_0.jpg
An exhibition in memory of Vitaly Smagin opened yesterday in the Irkutsk House of Artists. In preparation for writing a note about this, I began to search for my old texts about him. It turned out that I first wrote about his exhibition almost 10 years ago. Among other things, I found an interview three years ago, where each of his answers sounds like a creative credo. And now, after his death, it became even more obvious. I would like to quote from it in the format "Rules of Life"
http://baikal-info.ru/sites/default/files/12301690_10208005979327248_7036382797852240673_n.jpg
Every place in the world has its own expression and color chord. But I didn't want to create a typical urban landscape, I tried to get away from narrative painting, descriptive works. The principle of generalization is closer to me - about the world in general and the place in which we live. For example, the work "Blue Morning" - it moves from direct narration to another representation. Here, each tree is, as it were, not a tree at all, but an image of the morning, nature, its sound. I wanted this work to associatively evoke in the viewer a feeling of some kind of refreshing growth. But to write such works, you need to work in the open air, see it and feel it.
I have always advocated constant creative research, and I try to teach my students the same. I am interested in the process that calls me, and subconsciously I try to merge with the whole cosmos, to be a sounding reed that reflects this, without influencing it by reason, only on the subconscious.
For me, every work of art should contain a secret, and only the secret makes it possible to affect the viewer, wake him up and make him empathize, think, feel. The most beautiful thing that can be in poetry, and in literature, and in music, and in painting is innuendo, suggestiveness, a hint that guides the course of perception. The viewer is given the opportunity to seek meaning himself, find it and receive aesthetic pleasure from it, because he becomes an accomplice in the creation of the work.
There are several ways to build an exhibition. According to one of them, the exhibition is arranged in chronological order, but I think this is incorrect. In my opinion, the exposition should be built, like the painting, in color. Not in terms of content, but in perception, so that it is perceived entirely as a painting canvas. That is why I can have works written with a difference of 20 years on the same wall next to me.
As a muralist, I am, of course, used to large formats. My biggest work is somewhere 2.3 by 4.3 meters. But nowadays very few people write such large works, because they cannot be displayed or simply transported. For a long time I did not move on to small works, but in fact, the size is not important - the painting itself is important first of all. It's just that some artists, including great masters, cannot cope with the large size. If they refer to a large form, the picture is empty.
In principle, I do not do custom work. I think that an artist should be absolutely free and happy from the fact that he does not depend on anyone. As soon as outside influence begins, the artist ceases to be that unique value from which one can expect some kind of discovery. On the other hand, if they want to buy a work from me in a workshop, I sell, but I myself never exhibit my paintings for sale, for example, in private galleries.
Each work should be an emission: energy, feelings, doubts, reasoning. However, all this requires subsequent adjustment.
Many people think that it costs nothing to write a formal work. But in fact, building a non-objective work is as difficult as any other. And the specialist can also see where it worked and where it didn't.
http://mkrf.ru/upload/iblock/bigs/434ae29be35add4ee565643f7246af04.jpg
http://static.ngs.ru/cache/relax_files/events/9d69f2944791c113b30443ba987bb212_900_0.jpg
У записи 79 лайков,
26 репостов.
26 репостов.
Эту запись оставил(а) на своей стене Артём Морс
